L’évolution des appareils photo est une histoire qui s’étend sur presque 200 ans ! De la chambre photographique de 1830 jusqu’aux appareils numériques d’aujourd’hui, la photographie est un art qui a su évoluer avec son temps.  

Intéressons-nous à un appareil photo argentique qui a connu un grand succès à son époque : l’appareil à soufflet.  

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L’âge d’or des appareils photo à soufflet  

Aussi connu sous le nom de « folding » en anglais, ce type d’appareil a vu le jour en 1890 et s’est largement démocratiser dans les années 20 et 30, jusqu’à la fin des années 40. Ce dernier est renommé pour son côté pratique : le soufflet en cuir qui le compose est souple, l’appareil est donc pliable et très facile à transporter. Cette structure permet également de faciliter l’ajustement de la mise au point, en jouant sur la distance entre l’objectif et le plan film. Lorsqu’il est totalement replié et donc fermé, le soufflet vient se loger avec l’obturateur et l’objectif, dans le corps du boîtier.  

Au fil des années, ces appareils seront de plus en plus élaborés : il ne suffira plus que d’une touche et rien d’autre pour prendre une photo. Les formats des appareils à soufflet étaient divers : du 4,5 x 6 cm ou encore du 6,5 cm x 11. Mais plus tard, l’arrivée du format 620 et 120, ont popularisé le format 6 x 9 cm.  

Dans la famille des appareils à soufflet, on retrouve : les foldings à plaque de verre, les foldings 35 mm ainsi que les foldings à rouleaux de pellicule.  

La fin d’une ère  

À la fin des années 30, ces caméras pliantes, ont progressivement perdu de leur notoriété. En effet, la photographie était un domaine en pleine évolution : les nouveaux objectifs permettaient des agrandissements supérieurs, les images étaient de meilleure qualité avec des négatifs plus petits, la distance entre l’objectif et le film, était quant à elle, plus courte... Tous ces changements ont fait du tant apprécié appareil à soufflet, un outil désuet.  

Au fur et à mesure des années, cet objet s’est révélé certes démodé, mais tout de même très recherché par les collectionneurs. Il n’y a rien de plus rétro que cette caméra pliable d’antan !  

Par la suite, les appareils télémétriques, à bi-objectifs, Reflex ou encore Compacts, ont vu le jour. Aujourd’hui, les appareils argentiques ne sont plus du tout d’actualité, les appareils numériques dominent le marché, ce qui n’empêche pas de très nombreux passionnés de travailler encore avec des argentiques. 

La photographie est un art passionnant qui évolue constamment. L’idéal, afin d’acquérir tous les outils techniques relatifs à cette discipline, est de se former dans une école. L’EFET Photographie propose un Bachelor en 3 ans qui propose des enseignements de qualité, animés par des professionnels en activité. À la sortie de cette formation, il est possible de travailler dans de nombreux secteurs de la photographie. Si ceci vous intéresse, venez obtenir votre titre de photographe en nous rejoignant ! 

Lorsque nous pensons à la photographie, ce qui nous vient le plus simplement à l’esprit est le fait de capturer un objet fixe afin d’obtenir une image claire, nette et précise. Cependant, il existe des techniques un peu moins conventionnelles afin de donner du cachet aux images. Les photographies, connues pour capturer l’immobilité, peuvent aussi capturer le mouvement à l’aide du motion blur. 

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Qu’est-ce que le motion blur ?  

Le motion blur (flou de mouvement ou encore flou cinétique) est une technique photographique qui consiste à capturer les éléments en mouvement afin de créer un effet visuel assez original. Il est principalement utilisé dans la photographie de nature ou sportive. Ce procédé permet de traduire le dynamisme des sujets en mouvement ou encore l’effervescence d’un lieu vivement fréquenté.  

Le motion blur peut se révéler être un outil très intéressant pour amener de la nouveauté à vos créations. Comme toutes techniques, elle peut être facilement maîtriser avec un peu de patience, de persévérance et de l’entraînement. L’idée ici n’est pas d’atteindre la perfection, mais d’apprendre et de pouvoir s’améliorer.  

Se former à l’EFET Photographie vous permettra d’étudier cette pratique et bien d’autres aux côtés de professionnels du secteur. En seulement trois ans, vous aurez un titre de photographe de niveau 6 reconnu par l’Etat. Venez découvrir tout ce que peut offrir la photographie en nous rejoignant, candidatez dès maintenant !  

Depuis le XIXe siècle, en plus de son aspect artistique, la photographie s’est imposée comme un moyen de figer dans le temps des moments historiques emblématiques. Découvrons quelques clichés de grands photographes, connus pour avoir marqué l’histoire.   

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Derrière la Gare Saint-Lazare d’Henri Cartier Bresson 1932 

Ce cliché, réalisé à l’aide d’un appareil photo argentique, a été, comme son nom l’indique, prit à proximité de la Gare Saint-Lazare à Paris. Nous voyons au premier plan un homme qui saute au-dessus d’une flaque d’eau, sur laquelle sa silhouette se reflète. Le mouvement de l’homme, un court instant, nous donne même l’impression qu’il ne touche pas le sol. Henri Cartier Bresson avait pour spécialité de capturer l’ « instant décisif » : moment fugitif qui ne risque pas de se reproduire. 

Henri Cartier Bresson, né en 1908, est photojournaliste et dessinateur français. Il s’est principalement fait connaître pour ses photographies de rue. En 1936 à 1939, il a l’occasion de se former auprès de Jean Renoir en tant que son assistant. Avec d’autres photographes connus, il cofonde l’agence de presse photographique Magnum Photos en 1947. Jusqu’au début des années 70, il se concentre principalement sur sa carrière de photojournaliste, qui le fera voyager un peu partout dans le monde : Cuba, Japon, Inde, URSS etc… À partir des années 70, il se focalise davantage sur le dessin, il organise quelques expositions, notamment à New York. 

Mère migrante de Dorothée Lange 1936 

Ce cliché est considéré comme le symbole de la Grande Dépression (crise économique mondiale suite au crash boursier de 1929 aux Etats-Unis). Mère Migrante est le portrait de Florence Thompson, de ses enfants et de son nouveau-né qu’elle porte dans ses bras. La mère a le regard au loin, les sourcils froncés et une expression inquiète, les enfants quant à eux, semble affaiblis et reposent leurs têtes sur les épaules de leur mère. Une certaine tristesse émane de cette photographie, relative au contexte économique dans laquelle elle a été capturée.  

Cette photographie est la plus célèbre de Dorothea Lange, photographe américaine, qui s’inscrit dans le mouvement artistique du réalisme social. Elle est principalement connue pour ses travaux réalisés durant la Grande Dépression et plus globalement de l’entre-deux-guerres. Grâce au journal San Francisco News, ses clichés se sont fait connaitre et ont même permit de débloquer des aides pour la population concernée.  

D-Day de Robert Capa 1944 

Le D-Day est une photographie représentant le débarquement de Normandie le 6 juin 1944. Les images ont été capturées à Omaha Beach par Robert Capa, le seul photojournaliste se trouvant sur les lieux afin de filmer la violence des faits. En traversant un barrage d’obus, il a réussi à prendre les premiers clichés. Le D-Day représente un soldat casqué et équipé, il est presque totalement submergé par les vagues. L’arrière-plan est assez flou, cela met en avant les conditions instables dans lesquelles la photo a été prise. Ce jour-là, Robert Capa aura pris environ une centaine d’images, aujourd’hui il n’en reste plus qu’onze dont le D-Day. 

Robert Capa, né en 1913 à Budapest, était un photojournaliste et correspondant de guerre. Il est considéré comme l’un des plus grands photographes de guerre du XXe siècle. Au cours de sa vie, il aura couvert cinq conflits au total, dont la Seconde Guerre mondiale, la guerre d’Indochine et la guerre d’Espagne. Il a quitté la Hongrie à l’âge de 18 ans afin d’étudier la photographie à Berlin, dans un contexte de guerre sous-jacent, il devient photographe indépendant. Bien plus tard dans sa carrière, en 1947, il cofonde l’agence de presse photographie Magnum Photos. 

Gandhi au rouet de Margaret Bourke White 1946 

Gandhi au rouet est un portrait en noir et blanc représentant Gandhi, grande figure de l’indépendance indienne. Cette photographie a été prise par Margaret Bourke White qui travaillait pour le magazine Life et était chargée de couvrir l’indépendance de l’Inde. Nous voyons au premier plan le rouet, symbole de la liberté en Inde. Au second plan, Gandhi est assis en tailleur, tête baissée et est entrain de lire la presse. Cette expression met en avant son côté engagé et surtout pacifiste, contrastant avec les conflits religieux qui prenaient place en Inde.  

Margaret Bourke-White était une photojournaliste américaine. Elle est connue pour avoir été la première femme correspondante de guerre. Celle-ci fait ses débuts dans le photojournalisme auprès du magazine Fortune en 1929. Par la suite, en 1935, elle se fera recruter par Henry Luce pour le nouveau Life Magazine et y sera la première femme photographe. Assez vite, ses travaux feront la une du magazine. Ce poste lui permettra notamment de voyager en Inde où elle fera la rencontre de Gandhi, qu’elle suivra jusqu’à son assassinat en 1948.  

La photographie est un art qui requiert une bonne maîtrise des outils techniques. Suivre une formation dans ce domaine est le meilleur moyen d’atteindre un niveau professionnel. C’est ce que met en avant L’EFET Photographie à travers son Bachelor. Les cours aux côtés de professionnels, et les stages en entreprise forment au mieux les étudiants. Si vous êtes passionnés par la photographie, n’hésitez pas à nous rejoindre !  

Que ce soit pour de la photo d’architecture, de bien immobilier, de reportage ou de portrait, photographier en intérieur présente toujours les mêmes difficultés : une faible lumière ambiante. Quelques astuces permettent de composer avec ces contraintes. 

 © Unsplash

Pour photographier, il faut de la lumière. Or même par beau temps, les espaces intérieurs en manquent généralement. Si bien que pour exposer correctement ses images, il n’y a pas d’autre choix que d’ouvrir le diaphragme, ce qui a pour conséquence de réduire la profondeur de champ, de poser plus longtemps avec le risque de voir apparaître un flou de bougé ou un flou cinétique ou encore de régler une valeur de sensibilité ISO élevée entraînant une montée de bruit disgracieuse et une faible dynamique. La première chose à faire est donc d’exploiter au maximum la lumière ambiante. Pour un portrait ou une nature morte, approchez votre sujet de la fenêtre pour disposer du maximum de lumière possible. Choisissez alors bien votre point de vue pour donner la direction voulue à cette lumière. En contre-jour, elle ne vous sera d’aucune aide pour éclairer votre sujet alors que latéralement, elle produira une ombre qui peut être douce, jolie et souligner les volumes de votre sujet. 

Sur un sujet fixe 

Si vous photographiez un sujet immobile, une chambre à coucher pour un hôtel ou une maison d’hôte, ou un objet, vous pouvez utiliser un très long temps de pose sans incidence esthétique sur votre image. À condition que vous puissiez correctement stabiliser votre appareil pour que ce ne soit pas vous qui bougiez. Un trépied vous sera alors pratiquement indispensable pour assurer une bonne stabilité. Grâce à lui, vous pourrez régler un diaphragme suffisamment fermé pour obtenir une grande profondeur de champ et employer la sensibilité la plus basse possible afin de disposer de la qualité d’image la plus grande. Que cela implique de poser plusieurs secondes n’aura pas d’incidence.  

Songer que si vous utilisez alors la lumière ambiante, allumer les lampes de chevet par exemple apportera un peu de chaleur et de vie à une photo qui aurait été plus plate. Attention alors à bien régler la balance des blancs pour un environnement globalement neutre et des touches de lumière chaude. Utiliser un trépied présente également l’avantage de pouvoir réaliser plusieurs images qui se superposeront parfaitement pour une fusion HDR. C’est la méthode à adopter si vous avez un grand écart de lumière entre différentes zones : un intérieur sombre et une fenêtre qui laisse voir l’extérieur par exemple.  

En réalisant une photo exposée pour l’intérieur et une autre pour la zone visible par la fenêtre, vous pourrez, après fusion de ces images, obtenir une photo correctement exposée en tous points. 

En reportage ou en portrait 

Si vous photographiez des sujets en mouvement, vous ne pourrez évidemment pas utiliser un long temps de pose sans voir apparaître de flou cinétique provoqué par ses déplacements. Le trépied n’est donc d’aucune aide et seul un court temps de pose permettra d’obtenir une bonne netteté.  

Pour éviter de trop monter en sensibilité, il faut donc apporter un éclairage supplémentaire à la lumière du jour. Par sa puissance et son faible encombrement, le flash est le plus adapté. Mais attention à en faire bon usage. Dirigé directement vers le modèle, sa puissance pourra être adaptée à une bonne exposition sur ce dernier. Mais l’arrière-plan sera alors très sombre et si un premier plan se trouve sur la trajectoire de cette lumière, il sera surexposé et produira une ombre portée.  

Diriger le flash sur un mur ou un plafond pour éclairer le sujet de manière indirecte, par la réflexion de la lumière peut être une meilleure solution pour compenser un environnement trop sombre. Pour ce faire, il faut disposer d’un flash de reportage avec une tête orientable. 

Chacun des cursus proposés par l’école EFET Photographie aborde toutes les facettes du métier de photographe de manière à ce que les étudiants puissent exprimer leur créativité en toutes situations. L’école s’adresse aussi bien aux jeunes bacheliers avec une formation au Bachelor Photographie en trois ans qu’aux adultes en reconversion avec un Bachelor intensif en un an, des cours du soir et des cours à temps partiel. 

Edward Steichen, né en 1879 au Luxembourg, est un photographe et peintre du mouvement pictorialiste. En 1881, il s’installe avec sa famille aux États-Unis. Vers l’âge de 15 ans, Steichen travaille d’abord en tant qu’apprenti lithographe. Très vite, l’artiste s’intéresse à la photographie et marque le XXème siècle par ses créations très appréciées du grand public. Rencontres inspirantes et belles opportunités seront le point de départ de son succès.  

Il faut savoir avant tout que le pictorialisme est un mouvement esthétique photographique important qui a duré environ deux décennies, de 1890 à 1910. Son nom vient du mot anglais « picture » qui signifie  « image ». Ce mouvement dépeint la photographie plutôt comme art utilisant différents outils techniques et esthétiques, plutôt qu’un moyen de documentation. Le pictorialisme tente de placer la photographie au même niveau que la peinture.  

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Un artiste qui marque le XXe siècle 

En 1900 à New York, Steichen fait la rencontre d’Alfred Stieglitz qui est le chef de file des pictorialistes. En lui présentant ses photographies, le jeune artiste reçoit les encouragements de Stieglitz.  

Steichen décide ensuite de s’installer à Paris. Là-bas, il visitera l’exposition de Rodin et le rencontre pour la première fois, sans vraiment l’aborder. C’est en 1901, grâce au peintre norvégien Fritz Thaulow, que Steinchen parvient à réellement échanger avec Rodin. Le sculpteur français, appréciant beaucoup la compagnie du photographe, l’invite pendant près d’un an dans son atelier de Meudon. Steichen y réalisera une série de portraits du sculpteur et de nombreuses photographies de sculptures.  

En 1902, aux côtés d’Alfred Stieglitz aux Etats-Unis, il participe à la création de la Photo-Sécession, mouvement qui dépeint la photographie comme un art à part entière.  

Le travail autour de l’exposition de la Galerie 291 en 1908 (galerie d’art à New York) va renforcer l’alliance entre Rodin et Steinchen.  

En 1910, Steichen participera à l’exposition internationale de photographie picturale à Buffalo. Pendant la Première Guerre mondiale, ce dernier se verra diriger la photographie aérienne pour les forces expéditionnaires de l’armée. De 1923 à 1938, Steichen devient photographe en chef pour Condé Nast.  

Le photographe occupe des postes de plus en plus importants. En effet, en 1942, il détient le titre de lieutenant-commandant, trois années plus tard, il occupe la fonction de directeur de l’US Naval Photographic Institute. Dans cette structure, il supervise la photographie de combat et organise des expositions : Road to victory et Power of the Pacific.  

Fonctions de haut niveau, grandes responsabilités, rien ne peut arrêter Steichen. Intéressons-nous maintenant plus particulièrement à une exposition qu’il a organisé, une des plus grandes dans l’histoire de la photographie.  

The Family of Man : une exposition photographique légendaire  

De 1947à 1962, Edward Steichen devient directeur de la photographie du Museum of Modern Art. Il y réalise plus d’une cinquantaine d’expositions, dont une de très grande renommée : The Family of Man.   

Le photographe s’est chargé de rassembler les travaux de 273 auteurs issus de 68 pays différents. On y retrouve les grands noms de la photographie tel que Henri Cartier-Bresson, Robert Doisneau, Dorothea Lange ou encore Robert Capa. Cette exposition avait pour but de promouvoir la paix et l’égalité fondamentale des hommes par le biais de la photographie humaniste d’après-guerre.  

La première exposition de The Family of Man prend place en 1955 au Museum of Modern Art, à New York. Cette exposition est tout sauf sédentaire, en effet, elle a pu occuper plus 160 musées dans le monde entier. Depuis 1994, elle est installée de manière permanente dans le Château de Clervaux, au Luxembourg, pays natal de Steichen.  

Depuis sa création, l’exposition a accueilli plus de 10 millions de visiteurs à travers le monde. Depuis 2003, The Family of Man fait partie des documents inscrits dans le registre de la Mémoire du Monde de l’UNESCO.  

Il s’agit sans aucun doute de la création la plus importante dans la carrière de Steichen. Il a reçu de nombreuses récompenses et distinctions, pour celle-ci : le titre de chevalier de la Légion d’honneur française, une bourse honoraire de la Royal Photographic Society et plus encore…  

En septembre 2012, l’exposition a dû fermer pour rénovation, elle a réouvert ses portes en juillet 2013.  

Les photographies iconiques qu’elle met en avant sont toujours d’actualité, et illustrent avec profondeur le monde qui se construit après une période de guerre. Ainsi, ces œuvres restent encore aujourd’hui très prisées par les passionnés de photographie. 

Comme le démontre l’exposition The Family of Man, la photographie est un art qui ne connaît aucune frontière. Il suffit d’être patient et passionné pour apprendre et s’améliorer. Rien de mieux que suivre une formation dans ce domaine pour développer rapidement son expertise. Le Bachelor de l’EFET Photographie prodigue tous les fondamentaux de cette discipline pour faire de vous un professionnel plus que compétent. Si tout ceci attise votre curiosité, n’hésitez pas à candidater !   

Sur un appareil photo numérique, on peut modifier la sensibilité ISO à loisir alors qu’elle est toujours fixe sur un film argentique. En êtes-vous certain ? Grâce à un développement chimique adapté, il est en réalité possible d’exposer un film à différentes sensibilités. 

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Lorsqu’on achète une pellicule photo argentique, son émulsion possède une sensibilité fixe. Ce peut être 50, 100, 200, 400 ou 800 ISO sur les films couleur négatifs ou les diapositives, quand certaines références de négatifs noir et blanc peuvent même atteindre 3200 ISO. Cette valeur correspond à la sensibilité nominale du film et à la valeur qu’il faut régler sur son appareil ou sur sa cellule de mesure de lumière pour exposer correctement ses images en vue d’un développement standard. Mais elle n’est pas la seule utilisable. Et pour bien comprendre ce phénomène, il convient de rappeler en quoi consiste le développement d’un film. 

L’action du révélateur 

Nous ne rentrerons pas dans les détails de toutes les étapes qui constituent le développement d’un film négatif noir et blanc ou des séquences standardisées C41 et E6 des films couleurs négatifs et inversibles et nous allons nous intéresser uniquement au premier bain, appelé révélateur. Cette étape du développement des films consiste à réduire les ions argent contenus dans le film en de l’argent métallique, opaque à la lumière. C’est également à cette étape que sont créés les colorants du film négatif couleur.  

Les halogénures d’argent étant photosensibles, ceux qui ont été exposés à la prise de vue ont été légèrement modifiés et seront les premiers réduits en argent métallique par le révélateur. La lumière agit comme un catalyseur, maisle révélateur ayant une action continue, si vous laissez votre film pendant très longtemps dans ce bain, il finira par réduire également les autres halogénures d’argent, peu ou pas exposés à la lumière. Par conséquent, la durée de traitement pendant laquelle les films restent dans le révélateur doit être scrupuleusement respectée pour obtenir une image aux densités exploitables. Si elle est trop faible, le film sera sous développé, peu d’argent métallique sera créé et l’image finale sous-exposée. 

L’inverse est vrai avec un surdéveloppement. Ce qui n’est pas souhaitable… sauf si l’on agit intentionnellement pour compenser un défaut d’exposition à la prise de vue. 

Les effets des traitements poussés et retenus 

Imaginez que vous ne disposez que d’un film de 400 ISO mais que vous avez trop peu de lumière pour exposer correctement vos images. Soit vous devrez utiliser un temps de pose plus long, au risque d’avoir du flou de bougé ou un sujet flou, soit vous devrez sous-exposer toutes vos photos.  

En agissant comme si vous aviez utilisé un film de 800 ISO ou de 1600 ISO par exemple, vos images seront sous-exposées d’un ou de deux indices de lumination que vous pourrez compenser par un développement plus long pour réduire des halogénures d’argent ayant reçu peu de lumière. C’est le principe du traitement poussé qui consiste à corriger une sous-exposition à la prise de vue par un surdéveloppement dans le but d’obtenir des images aux densités correctes sur votre film.  

Le traitement retenu est le procédé inverse : compenser une surexposition à la prise de vue par un développement plus court. Si la solution semble idéale, elle n’est pas sans conséquence sur la qualité d’image.  

Le traitement poussé a notamment pour effet d’augmenter le contraste et la granulation des films avec des résultats qui peuvent fortement varier d’une émulsion à l’autre, sachant que la formulation du révélateur a également une incidence sur cette qualité d’image. Certains photographes éviteront donc cette manipulation périlleuse quand d’autres la pratique au contraire volontiers pour ses effets. Sachez que les traitements poussés et retenus peuvent être pratiqués à la maison comme dans les laboratoires à condition de bien indiquer la valeur du décalage de l’exposition.  

Comme il est impossible d’isoler les vues d’un film avant développement, l’opération devra se faire sur toute la bobine. Contrairement au numérique, on ne peut donc pas choisir la sensibilité utilisée pour chaque vue mais on peut la modifier sur un film entier. 

L’école EFET Photographie propose des formations à la photo complètes qui abordent aussi bien les technologies numériques que la photographie argentique. Les élèves la pratiquent en séances de prise de vue et en laboratoire où ils apprennent le développement des films et le tirage à l’agrandisseur.