Si le numérique offre de multiples possibilités d’interprétation après la prise de vue, le cas est différent en argentique où de nombreux critères esthétiques sont fixés par le type de film utilisé. Choisir sa pellicule en fonction de ses goûts est donc essentiel. 

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Bien évidemment, la première chose à faire consiste à choisir un format de pellicule adapté à votre appareil. Car si les modèles les plus courants fonctionnent avec des films 135 (également appelés 35 mm), il existe d’autres formats comme les cartouches 110 ou les rouleaux de films 120 pour les appareils moyen format. Certains appareils, mais ils sont rares, peuvent recevoir aussi bien des films 120 que des bobines 135. Dans chacune de ces catégories, vous allez ensuite trouver différents types de film caractérisés par leur émulsion. 

Couleur, noir et blanc, positif ou négatif 

S’il est toujours possible de supprimer les couleurs d’une photo pour la passer en noir et blanc, l’inverse ne l’est pas. De plus, les pellicules noir et blanc se caractérisent par la forme et la taille de leur grain d’argent que l’on ne retrouve pas dans une émulsion couleur. Le rendu est donc nécessairement différent et le choix de photographier en couleur ou en noir et blanc doit se faire avant la prise de vue. 

Comment faire de belles photos en noir et blanc ? 

En couleur, deux choix se présentent alors : utiliser un film négatif ou un film inversible également appelé diapositive. Avec le premier, il faut impérativement recourir à une numérisation ou un tirage car les couleurs seront inversées sur le film et un voile jaune-orangé va couvrir toute l’image. Les diapositives peuvent quant à elles s’observer directement à l’oeil nu. Mais plus que cette distinction qui s’efface dès lors que l’on procède à une numérisation des images, c’est la différence de rendu qu’il faut prendre en considération : les diapositives sont souvent plus contrastées, plus saturées mais aussi plus difficiles à exposer correctement. Pensez également que le rendu de ces films peut être totalement modifié si vous choisissez de développer un film négatif dans un procédé E-6 conçu pour les diapositives ou inversement en développant un film diapositive dans une chimie C-41. C’est ce que l’on appelle le traitement croisé. 

Comment fonctionne un développement argentique ? 

Sensibilité, contraste et tonalité 

Alors que les appareils photos numériques permettent de changer de sensibilité à loisir pour exposer correctement ses images, la sensibilité des émulsions argentique est fixe. S’il existe quelques astuces pour la modifier au développement en procédant à des traitements poussés ou retenus, cela signifie donc que toute une pellicule doit être exposée à la même sensibilité. Choisissez par conséquent un film de faible sensibilité, 100 ou 200 ISO par exemple, uniquement si vous savez que toutes vos photos seront faites dans de bonnes conditions de lumière. Sinon, optez directement pour un film de haute sensibilité, 400 ou 800 ISO, sachant que vous ne trouverez de sensibilités supérieures qu’en noir et blanc.  

Que sont les traitements poussés et retenus en argentique ? 

Pour ces dernières, l’émulsion doit être choisie en fonction de la finesse du grain que vous souhaitez. Les Kodak T-max 100 et Ilford Delta 100 par exemple possèdent un grain très fin et discret quand la Tri-X 400 a un grain plus marqué. Plus la sensibilité du film est élevé plus le grain est gros et donc visible. Certaines émulsions auront également un plus fort contraste, d’autres retranscriront mieux les détails,… Tout ceci est généralement spécifié dans leur fiche technique sachant que le développement opéré ensuite a également une incidence sur le rendu final.  

En couleur, il faut choisir votre film en fonction de sa température de couleur d’équilibre – Tungstène pour photographier en intérieur avec des éclairages artificiels et lumière du jour pour les lumières naturelles – et en fonction de la saturation que vous désirez. On préfère généralement les couleurs faiblement saturées pour les portraits et les plus fortes pour les paysages ou les natures mortes. Mais en matière de créativité tout est autorisé ! D’ailleurs, en parlant de créativité, il existe une multitude de films couleurs qui ajoutent volontairement des dominantes colorées aux images. Lomography en a fait sa spécialité mais il en existe aussi chez d’autres fabricants. Pour se faire une idée du résultat, il n’y a plus qu’à essayer. 

Parce qu’à l’EFET Photographie nous pensons que l’enseignement doit être complet et varié, le programme d’apprentissage aborde les nouvelles technologies et le numérique mais comprend également des cours de laboratoire argentique lors desquels les élèves apprennent le développement des films et le tirage à l’agrandisseur. Ces séances sont pour eux l’occasion de s’essayer à différentes techniques pour exprimer leur créativité et des indispensables pour comprendre les grands principes de la photographie

Les étudiants en bachelor à EFET Photographie ont présenté leurs travaux devant les jurys, marquant la fin de trois années d’études intenses et créatives. Cette exposition, tenue dans le studio photo de l’école, a permis de mettre en lumière le talent des jeunes photographes.

Tout au long de l’année, les étudiants ont travaillé sans relâche sur divers projets photographiques, explorant différentes techniques et styles. Leurs efforts ont été remarqué dans cette exposition, où chaque œuvre racontait une histoire unique, reflétant la passion et l’expertise acquises au cours de leur formation.

Après le passage du jury, qui a évalué les travaux avec attention, une célébration a été organisée. Familles, amis et intervenants se sont réunis pour féliciter les étudiants et admirer leurs créations.

L’exposition a été un moment fort pour les étudiants, marquant la fin d’un chapitre et le début de nouvelles opportunités dans le monde de la photographie. Les sourires et les accolades témoignaient de la fierté et de la satisfaction ressenties par chacun.

Cette exposition de fin d’année à EFET Photographie a été un véritable succès, couronnant trois années de travail acharné et de passion pour la photographie. Les étudiants peuvent être fiers de leurs réalisations, et cette célébration restera gravée dans leurs mémoires comme un moment inoubliable de leur parcours académique.

C’est avec une grande fierté et beaucoup d’émotion que nous vous présentons les projets de fin d’année de nos étudiants en formation continue. Après avoir travaillé sans relâche et avec dévouement tout au long de leur parcours, ils ont passé leur grand jury. Chacun d’entre eux ont travaillé dur dans ces projets, et les résultats sont tout simplement remarquables !

Les travaux des étudiants sont un reflet de leur créativité, de leurs compétences et de leur passion. Nous vous invitons à découvrir ces œuvres à travers les photos et les présentations ci-dessous. Ces projets ne sont pas seulement des témoignages de leur savoir-faire, mais aussi des exemples de leur capacité à innover, à s’adapter aux défis actuels et de ce qu’ils ont appris durant toute l’année.

La première phase de cette présentation a permis aux étudiants de démontrer leurs compétences devant un jury exigeant. Suite à cette évaluation, les portes ont été ouvertes pour accueillir leurs proches, offrant ainsi un moment de partage et de célébration des réussites obtenues. Les réactions des familles et des amis ont été unanimes : admiration et fierté pour le travail accompli.

Mais ce n’est pas tout ! La semaine prochaine, ce sera au tour des étudiants en bachelor de présenter leurs projets de fin d’année. Nous avons hâte de découvrir leurs innovations et les fruits de leur travail acharné.

En attendant, nous vous laissons apprécier les incroyables réalisations de nos étudiants en formation continue. Félicitations à eux pour leur réussite et un immense merci à tous ceux qui les ont soutenus tout au long de cette aventure.

À moins de photographier en argentique et de choisir une pellicule noir et blanc ou d’utiliser un des rares appareils photo du marché qui ne capturent que des images monochromes, la photographie se fait en couleur. Le rendu noir et blanc des images dépend ensuite des choix du photographe. 

S’il est possible de régler son appareil photo sur un mode noir et blanc, la capture d’image se fait systématiquement en couleur. Car en dehors de quelques appareils photos singuliers pensés uniquement pour réaliser des photos monochromes, les capteurs des appareils photos possèdent devant chacune de leurs cellules photosensibles des filtres rouge, vert et bleu. C’est au moment du dématriçage et de l’interprétation des images qu’il est possible de choisir si l’on veut conserver une photo en couleur ou la convertir en noir et blanc. Lorsque l’on photographie en Raw, et même si l’appareil photo est réglé en mode noir et blanc, il est donc toujours possible de revenir à une photo en couleurs. Ce n’est en revanche pas le cas si on photographie en Jpeg. 

Qu’est-ce que le format Raw ? 

Pour voir et composer en noir et blanc

Régler son appareil photo sur un de ses modes noir et blanc, quand il en possède plusieurs, et personnaliser son rendu via les outils qu’il propose présente néanmoins un avantage notable : celui de composer et de cadrer en s’affranchissant des couleurs et en ne s’intéressant donc qu’aux jeux de graphismes et de contrastes de densités. Pour cela, les hybrides ont un net avantage sur les reflex du fait de leur visée électronique affichant l’image en noir et blanc quand la visée optique des reflex reflète notre vision, donc colorée. 

Reflex ou hybrides, quelles différences ? 

Quoi qu’il en soit, faire de la photo en noir et blanc, ce n’est pas seulement supprimer les couleurs d’une image comme on le ferait en réduisant à zéro son niveau de saturation. De très nombreux outils existent pour en affiner le rendu. 

Des automatismes aux rendus personnalisés 

Il existe de nombreux logiciels permettant d’opérer une conversion automatique des images en noir et blanc mais peu qui proposent des réglages vraiment poussés pour en affiner le rendu. Car une fois converties en noir et blanc, l’image peut nécessiter un ajustement des contrastes de manière globale ou plus restreinte, à la manière du réglage de clarté de Lightroom ou Photoshop. Ces ajustements peuvent convenir à toute l’image mais peuvent également demander une application sur certaines zones seulement. Il faut alors un logiciel offrant des outils de masquage. Si l’image ne présente plus de couleurs à l’écran, nous avons vu qu’elle en comportait à la prise de vue et qu’il peut être intéressant d’agir sur la densité et le contraste de certaines d’entre elles seulement, comme on l’aurait fait avec des filtres de couleur en photographie argentique noir et blanc. Le mélangeur de couche des logiciels sert à cela. Notez que la balance des blancs a également une incidence sur l’équilibre des tons en noir et blanc et que la faire varier agit donc sur le rendu des épreuves. Pour finir, vous pourriez décider de réaliser une photo en noir et blanc pour simuler le rendu d’une pellicule argentique, ce qui implique d’ajouter du grain aux images. Capture One propose cette option quand certains logiciels comme Film Pack de DxO sont spécialisés dans ce créneau et peuvent vous faire gagner beaucoup de temps. Il possède aussi des réglages pour affiner et personnaliser le rendu. 

Accompagner les élèves vers le métier de photographe, c’est leur apprendre les règles de base essentielles mais également apprendre à exercer leur œil et les accompagner dans la découverte de leur style personnel. Autant d’étapes que propose l’école EFET Photographie au travers de différentes formations diplômantes et accessibles hors Parcoursup. 

Les étudiants d’EFET Photographie ont eu l’opportunité de participer à un cours sur la gélatine de couleurs animé par leur professeur, Erkan Barris. Ancien étudiant de l’école, il est désormais professeur et enseigne toutes les techniques nécessaires pour réussir en studio photo. Ce cours a permis aux étudiants de découvrir les subtilités et les applications créatives de la gélatine de couleurs dans leurs projets photographiques.

Durant cette session intensive, les étudiants ont exploré différentes méthodes d’éclairage et appris à manipuler la gélatine pour créer des effets visuels uniques. Erkan Barris, avec sa vaste expérience et sa passion pour la photographie, a partagé des conseils précieux et des astuces pratiques, tout en encourageant une approche expérimentale et artistique.

Les participants ont non seulement acquis de nouvelles compétences techniques, mais ont également bénéficié de l’occasion pour développer leur propre style et vision créative.

Grâce à ce workshop, les étudiants d’EFET Photographie sont désormais mieux équipés pour utiliser la gélatine de couleurs dans leurs futures créations, ajoutant ainsi une nouvelle dimension à leurs compétences en photographie de studio.

Vous pouvez retrouver plus d’informations sur le Bachelor de photographie de l’école sur notre site internet.

La synthèse des couleurs : une histoire d’addition et de soustraction 

 Comment reproduire l’ensemble des couleurs ? En se basant sur le principe de la vision humaine. C’est ce que l’on nomme la synthèse des couleurs, additive quand elle concerne la lumière et soustractive pour les encres. 

 Si nous sommes capables de distinguer différentes couleurs, c’est parce que dans nos yeux se trouvent différents récepteurs, des bâtonnets pour la vision en basse lumière mais surtout des cônes qui sont de trois types, sensibles dans trois domaines du spectre lumineux : le rouge, le vert et le bleu. C’est le principe de base de ce que l’on nomme la synthèse additive des couleurs. 

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Le système RVB 

C’est en analysant différentes intensités de lumières rouges, vertes et bleues que nous percevons les couleurs et en combinant ces lumières qu’il est donc possible de les reproduire telles qu’on les voit. Ces trois couleurs sont nommées les primaires de la synthèse additive. La superposition des lumières rouges et vertes donne du jaune, celle du vert et du bleu, du cyan, et celle du rouge et du bleu, du magenta. L’absence de lumière donne du noir et la superposition des trois couleurs en proportions égales, du blanc. La synthèse additive est utilisée par tous les dispositifs lumineux, tels que les écrans d’ordinateur, les téléviseurs et les projecteurs pour reproduire les couleurs. C’est aussi le principe utilisé par la mosaïque de Bayer des capteurs des appareils photo dont chaque photosite est recouvert d’un filtre qui est soit rouge, soit vert, soit bleu. Chaque pixel d’une photo numérique comporte ensuite une information rouge, une verte et un bleu. Si les trois couleurs primaires de la synthèse additive sont le rouge, le vert et le bleu, leur superposition deux à deux donne la complémentaire de la troisième. Le jaune étant la superposition du rouge et du vert, il est la complémentaire du bleu. Le magenta, celui du vert et le cyan celui du rouge. 

La synthèse soustractive 

Si le système RVB permet de reproduire les couleurs avec de la lumière, ce sont les complémentaires de ces trois primaires de la synthèse additive qui sont utilisées en peinture et en impression avec des pigments ou des colorants. Car un colorant jaune absorbe toute la lumière bleue, un cyan le rouge et un magenta, le vert. C’est de ce principe de soustraction que vient le terme de synthèse soustractive. En argentique, on utilise par conséquent dans les films et dans les papiers couleurs, des colorants jaune, magenta et cyan. L’absence de colorant donne le blanc et la superposition des trois, du noir. La superposition de colorants jaune et magenta donne du rouge, celle du jaune et du cyan du vert et celle du magenta et du cyan donne du bleu. En impression jet d’encre, on ajoute cependant une encre noire pour améliorer la profondeur des teintes, pour réduire la quantité d’encre nécessaire et pour assurer une meilleure neutralité aux épreuves. On parle alors d’impression en quadrichromie CMJN pour cyan, magenta, jaune et noir. Certaines machines possèdent en plus des encres cyan clair et magenta clair pour des nuances plus subtiles dans les dégradés, d’autres des encres grises pour une meilleure neutralité des impressions en noir et blanc et d’autres, encore, des encres supplémentaires comme le rouge, le bleu ou l’orange pour accroître l’espace colorimétrique des machines dans certains domaines et compenser l’imperfection de certains colorants. Mais la base de toutes reste la présence des trois primaires de la synthèse soustractive : le jaune, le magenta et le cyan. 

 De multiples applications 

Comprendre la synthèse des couleurs, c’est comprendre le fonctionnement de nombreuses technologies comme celle des écrans à cristaux liquides ou à Led, des appareils photos ou encore des systèmes d’impression mais aussi notre perception des harmonies et l’incidence esthétique de la couleur dans les images. Des bases qui, parmi d’autres, sont enseignées aux étudiants de l’école EFET Photographie pour les accompagner dans l’apprentissage de la photographie mais aussi dans la découverte de leur univers artistique. 

Vicentiu a suivi la formation en bachelor intensif à l’école EFET photographie. Grâce à ce programme, il a exploré en profondeur les techniques et les concepts de la photographie, tout en développant son propre style artistique. Il nous raconte son parcours au sein de l’école.

Pouvez-vous vous présentez ? 

Je m’appelle Vicentiu Burlacu, j’ai 30 ans, je suis marié et père de deux enfants. L’an dernier j’ai travaillé à Paris dans la numérisation du patrimoine photographique, tout en proposant des services de photographie de mariage en parallèle. Actuellement, je travaille à temps plein de chez moi au Canada, où nous avons emménagé il y a 9 mois, ce qui me permet d’exercer ma passion et de m’occuper de mes enfants.

Quelles sont les missions que vous faites au quotidien ? 

Pour le poste de technicien en numérisation du patrimoine photographique : Numérisation de différents types de supports : plaques de verre, négatifs souples, diapositives, autochromes, positifs ou négatifs, et plan films (utilisation du logiciel CaptureOne).

Post-traitement :Cette phase fait suite à la numérisation et implique une intervention numérique sur les documents : contrôle image par image, recadrage des éléments numérisés, nettoyage numérique, et ajustements de la colorimétrie (utilisation du logiciel Photoshop)

Quels sont les avantages du poste / En quoi ce poste est épanouissant ?  

Le principal avantage, selon moi, résidait dans la numérisation des phototype originaux(plaques de verre, négatifs souples, diapositives, autochromes, positifs ou négatifs) de divers photographes renommés tels que Cartier, Gilles Caron, Jane Evelyn Atwood, Brassai, etc. Un second avantage était l’opportunité d’apprendre à utiliser Photoshop et CaptureOne dans un environnement professionnel.

Quels sont les cours que vous avez préféré à EFET Photographie ?  

Les cours de photoreportage et le suivi de projet à la fin de l’année, dispensés par différents professeurs, ont été pour moi une expérience extrêmement enrichissante. Ces cours m’ont véritablement permis d’acquérir une vision plus affinée du photoreportage, en m’apprenant à suivre une esthétique cohérente, à construire un récit solide et à sélectionner judicieusement mes photographies, tout en les organisant de manière pertinente. De plus, ils m’ont incité à me rendre sur le terrain, à avoir le courage d’interagir avec les personnes rencontrées, tout en me donnant confiance dans mes propres idées.

Avant de commencer à l’école EFET, je n’avais aucune idée que le photoreportage serait une passion pour moi. Ces cours m’ont non seulement permis de découvrir cette passion, mais aussi de développer ma propre voix photographique.

Qui vous inspire dans le milieu professionnel / dans la photographie?

Gille Caron , Francoise Huguier , Jane Evelyn Atwood

Pouvez-vous nous présenter un de vos projets ? 

J’aimerais partager mon premier photoreportage intitulé « Le pays des ours », un projet mettant en lumière les différents aspects de la présence de l’ours dans la société roumaine. L’idée de ce projet m’est venue lors de mes vacances en Roumanie, sur l’une des routes montagneuses les plus célèbres du pays, le Transfăgărășan. Cette route est renommée pour sa beauté, mais surtout pour les rencontres fréquentes avec les ours, qui s’arrêtent au bord de la route pour que les touristes leur lancent de la nourriture. Nous avons pu observer au moins quatre ours le long de ce trajet, en train de se nourrir alors que les voitures s’arrêtaient pour leur offrir de la nourriture et prendre des photos.

J’étais conscient que cette pratique n’était pas du tout bénéfique pour les ours en raison de leur proximité avec les humains. Les médias roumains évoquent souvent les attaques d’ours sans pour autant montrer les visages des victimes ni aborder les problèmes liés à la cohabitation avec les ours. Mon objectif principal était donc de sensibiliser ces personnes tout en présentant une vision plus nuancée de la relation entre l’homme et l’ours en Roumanie.

Cette expérience a été une aventure extraordinaire, ponctuée de rencontres avec des personnes incroyables.