Plus rapide et parfois plus précis qu’une mise au point manuelle, l’autofocus peut néanmoins être source de frustration s’il n’est pas correctement paramétré. Voyons les différents réglages possibles pour s’assurer d’une mise au point parfaite en toutes situations.

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L’autofocus tel qu’il existe sur les appareils modernes fonctionne en deux étapes. Il commence par une analyse de la distance du sujet par l’appareil photo avant que ne soit actionné, dans l’objectif, le moteur en charge du déplacement des lentilles qui assurent la mise au point.

La première chose à considérer lorsqu’on utilise l’autofocus est donc la zone de l’image dans laquelle l’appareil doit réaliser sa mesure. Elle ne peut se faire qu’au niveau d’un des collimateurs du système. En visée optique avec un reflex, ils sont réunis dans une zone centrale, alors que ces points d’analyse sont répartis sur pratiquement toute la surface du capteur en visée Live View ou avec un appareil hybride.

Les modes de zones

Si tous les modèles d’appareil ne proposent pas exactement les mêmes options de sélection, leur principe reste semblable. En choisissant par exemple une zone qualifiée de Point unique, vous allez réduire la zone autofocus active à une toute petite surface qui peut être d’un seul collimateur. Plus elle est faible, plus vous agirez avec précision en évitant que la mise au point ne puisse se faire ailleurs que dans la zone sélectionnée. Mais si cette zone manque de lumière ou de contraste, l’autofocus pourrait avoir plus de mal à fonctionner.

Si vous choisissez une zone plus large, vous aurez donc plus de chance que la mise au point se fasse rapidement. Vous prendrez cependant aussi le risque que le collimateur sélectionné ne soit pas celui que vous vouliez. La mise au point pourrait, par exemple, se faire sur le premier plan quand vous l’auriez voulu sur un sujet au loin. En plus du mode Point unique dont il est généralement possible de modifier la taille, les appareils propose donc différentes formes et tailles de zones regroupant plusieurs collimateurs, jusqu’à un mode exploitant tous les collimateurs disponibles.

Une fois le type de zone choisi, vous pouvez ensuite spécifier son emplacement dans le champ en la déplaçant à l’aide du joystick à l’arrière, de l’écran tactile ou des touches de l’appareil. Les appareils les plus récents proposent également la détection automatique de multiples sujets comme les yeux des humains, les animaux ou les véhicules. Ces modes offrent une grande précision en choisissant automatiquement le sujet que vous aurez spécifié, quelle que soit sa position dans l’image. Ils sont également très utiles en autofocus continu pour suivre un sujet en déplacement.

AF-S ou AF-C

L’autre point essentiel consiste à définir le mode de fonctionnement de l’autofocus. En AF-S, AutoFocus Single, ou One Shot chez Canon, une pression à mi-course sur le déclencheur de l’appareil photo ou sur la touche AF-On va activer l’autofocus qui maintiendra ensuite sa position jusqu’au déclenchement. Dans ce mode, vous pouvez donc décider de faire la mise au point sur une zone de l’image puis modifier votre cadre sans changer la distance de mise au point. C’est le mode à privilégier lorsque vous photographiez un sujet fixe et que vous souhaitez vous assurer que la mise au point ne se décale pas au moment de la prise de vue.

Mais si votre sujet est en mouvement, il pourrait s’être déplacé entre l’appui à mi-course et le déclenchement et être flou. Dans ces conditions, il faut utiliser le mode AF-C, AutoFocus Continu, ou AI Servo chez Canon. Comme précédent, la sollicitation du déclencheur à mi-course ou de la touche AF-On va activer l’autofocus qui continuera en revanche son analyse tant que la touche est maintenue enfoncée. Vous suivrez donc le sujet et vous assurerez d’une juste mise au point au moment du déclenchement.

Si vous avez choisi une zone Point unique, l’autofocus ne se fera que sur le collimateur sélectionné alors que si vous avez choisi une zone plus large, il changera automatiquement de collimateur pour suivre un sujet qui se déplace de manière latérale ou diagonale dans l’image.

L’EFET Photographie propose des formations complètes qui abordent aussi bien l’histoire de la photographie et l’analyse d’image que les notions techniques nécessaires à une parfaite maîtrise du matériel photo.

Le 8 juin 1972, voilà cinquante ans, la guerre du Viêt-Nam fait rage. À Tran Bang, un petit village à proximité de Saigon, des enfants jouent. Soudain, des bruits d’avion, une explosion, de la fumée : la peur et l’horreur s’installent. En une fraction de seconde, leur vie bascule. Le photographe Nick Ut assiste à la scène et immortalise la fuite désespérée de la petite Napalm Girl, photographie devenue mythique, qui restera dans les mémoires de tous.

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La petite fille au Napalm

Sur cette photographie intitulée « la terreur de la guerre », on voit une petite fille en pleurs, Phan Thi Kim Phuc, fuir en compagnie d’autres enfants. Au premier plan, on distingue son frère, terrorisé lui aussi. Les vêtements de la fillette se sont enflammés, elle court nue, implorant de l’aide. On lit sur son visage la douleur infligée par les brûlures au Napalm.

En un instant, la vie du photographe Nick Ut changera à tout jamais. Il est alors âgé de 21 ans, et porte secours aux enfants en les emmenant dans l’hôpital le plus proche. La petite fille sera sauvée et deviendra une ambassadrice de la paix à travers le monde, connue de tous en tant que Napalm Girl.

Napalm girl de Nick Ut : une photo iconique

Nick Ut est un photographe américano-vietnamien qui travaille pour une agence de presse américaine, Associated Press. Il couvre alors la guerre du Viêt-Nam, durant cette offensive surnommée « l’été de feu et de sang ».

Devant cette scène d’horreur, il déclenche son Leica M2 dans lequel il a chargé une pellicule Kodak Tri-X 400. Dès le lendemain, la photo Napalm Girl fait la une des quotidiens dans de nombreux pays. En 1973, le photographe a reçu le prix Pulitzer pour ce cliché.

Cette image porte en elle tant d’émotions qu’elle est devenue une icône du photojournalisme. Avec son boîtier, Nick Ut a su percevoir la détresse des victimes civiles de la guerre et la montrer au monde entier.

L’influence des reporters-photographes sur l’opinion publique

Cinquante ans plus tard, la photo Napalm Girl continue à faire le tour de la planète. La puissance du message qu’elle fait passer continue d’interpeller l’opinion publique mondiale, qui ne peut rester insensible face aux visages terrifiés de ces enfants.

Les horreurs de la guerre, le massacre de victimes innocentes, l’absurdité de la violence restent malheureusement d’actualité de nos jours.

Une photo ne peut sûrement pas arrêter une guerre. Mais elle peut contribuer à changer le monde. C’est ce que la Napalm Girl de Nick Ut a fait et continue de faire en dénonçant les atrocités des conflits armés.

C’est tout le pouvoir des images de presse.

Le photojournalisme est un des nombreux débouchés pour les photographes professionnels.

Pour apprendre à déclencher l’obturateur au bon moment, il est important de suivre une formation en photographie. L’EFET Photographie, vous propose un enseignement de qualité pour maîtriser les bases de l’art photographique. À travers un bachelor en photographie ou une formation professionnelle continue, vous apprendrez la maîtrise technique indispensable pour réussir à révéler l’émotion dans les images. La photographie deviendra un mode d’expression naturel, à travers lequel vous pourrez faire passer des messages qui vous tiennent à cœur.

Né en 1912 et décédé en 1994, Robert Doisneau a marqué le monde de la photographie française et internationale. Qu’est-ce qui distingue le travail de cet artiste et quels sont les grands moments de son parcours professionnel ?

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Robert Doisneau : un symbole de la photographie française

Robert Doisneau fait partie des photographes français les plus connus. Son œuvre reconnue a reçu de nombreux prix, comme le Prix Kodak (1947) ou encore le Grand Prix National de la Photographie en 1983.

Robert Doisneau travaillait en majeure partie dans le Paris de l’après-guerre et pendant les 30 glorieuses. Ses clichés ont pour sujets les artisans, les troquets de quartier, les enfants des rues, les balayeurs, etc. Pendant près de 50 ans, il capturera des milliers de portraits des petites-gens de la capitale. Dans son travail, Robert Doisneau s’inspire du courant réaliste de la Nouvelle Objectivité, qui vise à une représentation réaliste et sans artifices de la réalité. On note d’ailleurs dans ses choix de prises de vues et de cadrages une certaine distanciation avec ses sujets.

C’est le photographe français le plus connu à l’international, notamment grâce à son cliché « Le Baiser de l’hôtel de ville ». Ses photographies exportent à l’étranger l’ambiance de Paris et rencontrent un franc succès dans une période de renouveau d’après la guerre.

Le travail de Robert Doisneau est éclectique et ses photographies provoquent des émotions très diverses chez les spectateurs. Par exemple, le cliché La Voiture Fondue (1944) capture des enfants jouant sur les restes d’une auto détruite par les bombardements. Certains en ressentiront de la nostalgie, d’autres y verront une critique de la guerre.

Quel est le parcours professionnel de Robert Doisneau ?

Issu d’une famille bourgeoise, Robert Doisneau étudie à l’école Estienne les arts graphiques et est initialement diplômé en gravure et lithographie. Ses talents de calligraphie lui valent d’ailleurs de fabriquer des faux-papiers pour les résistants français sous l’occupation allemande. Après avoir travaillé dans un atelier parisien en tant que calligraphe, il s’initie à la photographie aux côtés de Lucien Chauffard.

C’est en 1932 que Robert Doisneau commence son parcours de journaliste-reporter, en vendant son premier reportage photo à l’Excelsior. Il est ensuite embauché comme photographe industriel pat le constructeur Renault, chez qui il exercera jusque 1939.

Il devient ensuite photographe indépendant et réalise des reportages sur des sujets divers et variés : actualité, étranger, vie des élites parisiennes, etc. Il est alors publié dans les plus grands magazines du moment : Life et Paris Match entre autres.

Grâce à l’enseignement de haut niveau académique de l’EFET Photographie , les étudiants de son Bachelor Photographie apprennent tout des plus grands photographes internationaux : Robert Doisneau, Anne Leibovitz, Henri Cartier-Bresson ou encore Steve McCurry et Helmut Newton. Découvrir les parcours de vie et les étapes du développement professionnel de ces grands noms est une source d’inspiration et de motivation pour les étudiants.

Connaître le parcours de Robert Doisneau, c’est ajouter une brique indispensable à la construction d’une solide culture en art de la photographie.

On considère que le premier appareil photo est une invention française : le Daguerréotype. Mais Louis Daguerre, son inventeur, a-t-il réellement produit la première photographie de l’Histoire ?

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Premières photographies de l’Histoire : des débuts hésitants

La première photographie de l’Histoire date de 1826, c’est Joseph Nicéphore Niépce qui produit le premier cliché sur une plaque d’étain recouverte de bitume de Judée (goudron naturel qui durcit à la lumière). Le premier cliché de l’Histoire de la photographie s’intitule « Point de vue du Gras » et a été capturé en Saône-et-Loire. Il est aujourd’hui exposé au Harry Ransom Center, au sein de l’Université du Texas à Austin.

En 1839, François Arago est chargé de présenter devant l’Académie des sciences le daguerréotype, premier équipement photographique utilisant la technique de l’argentique. L’appareil peut alors capturer une photographie sans avoir recours à un négatif, grâce à une couche d’argent exposée à la lumière. Ce procédé, présenté comme révolutionnaire, est donc une amélioration des techniques de Niépce.

En revanche, Daguerre révolutionne le monde de la photographie en proposant des sujets humains. Il photographie Paris et ses habitants. Sa vue du boulevard du Temple est considérée à tort par le grand public comme la première photographie de l’Histoire.

Les premières photographies de l’Histoire touchent à tous les sujets

L’histoire des premiers clichés du genre ne s’arrête pas là : les essais en photographie sont multiples. Le premier portrait date de 1839 : c’est un autoportrait de Robert Cornelius (entrepreneur féru de métallurgie et de chimie).

Léon Foucault, Armand Hippolyte et Louis Fizeau signent la première photographie naturaliste de l’Histoire en capturant un cliché du soleil en 1845. La première photographie prise sous l’eau suit rapidement, avec la production de Lois Boutan en 1893 : il tire à cette époque le portrait en scaphandre de son collègue Emmil Racovitza. C’est en 1946 qu’est prise première photo de la terre depuis l’espace.

Un tournant de la photographie est passé en 1847, avec ce qui est considéré comme la première photographie de presse de l’Histoire. Il s’agit d’un daguerréotype d’une personne arrêtée en France. Les évolutions techniques de la photographie permettent rapidement de documenter la guerre de Crimée (1853-1856) et la guerre de Sécession (1861-1865). C’est le début du photojournalisme.

Nadar signe la première photographie aérienne de Paris en Montgolfière en 1858, suivi de près par James Black à Boston en aéronef. En 1861 est produite la première photographie souterraine. Nadar, toujours, capture une image des catacombes de Paris en s’équipant de la première pile portable : la pile Bunsen.

La première photographie de l’Histoire en couleur date, elle, de 1861, il s’agit d’un ruban capturé trois fois au travers de filtres teintés. Depuis, les évolutions numériques de la photographie font faire un bond au secteur, on date ainsi de 1957 la première photographie numérique et de 1997 la première photo partagée par un téléphone !

Afin de participer aux évolutions de la photographie, il est vivement conseillé d’opter pour une formation technique. Les cursus proposés par l’école EFET Photographie comprennent des apprentissages de l’Histoire et de la culture de la photographie ainsi que la participation à des projets techniques de haut niveau.

Le fil des photographies historiques ne s’est pas arrêté en 1997. Par exemple, on date de 2010 la première photographie publiée sur Instagram. Il s’agit d’un chien qui attendait à côté d’un des créateurs de la plateforme (qui mangeait un tacos).

La photographie panoramique n’est pas un simple panorama : elle consiste en l’assemblage de plusieurs clichés pris indépendamment, afin de proposer une prise de vue avec un champ plus large que la focale naturelle de notre optique. Les réglages qui consistent à changer le format en réduisant le haut et le bas de l’image ne permettent pas de produire une véritable photographie panoramique. Que nécessite la maîtrise de cette discipline et comment s’y former professionnellement ?

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La photographie panoramique en pratique

Avoir recours aux techniques de la photographie panoramique permet de pallier au manque de recul nécessaire pour capturer une scène complète en un cliché. Elle échappe au résultat désagréable dû au manque de pixels d’un zoom de mauvaise qualité sur un appareil photo classique. Enfin, elle évite les déformations dues aux optiques grand-angle, puisque le photographe n’y a normalement pas recours.

Il peut, en revanche, opérer à main levée. Pour cela, il doit respecter certains principes de base de la photographie panoramique :

•  Choisir un bon sujet ou un paysage auquel il est possible d’appliquer les règles de la composition propre à la photographie panoramique en vue d’obtenir une image harmonieuse.
•  Ne pas photographier trop large pour ne pas perdre l’effet naturel du cliché final.
•  Les débutants doivent éviter d’ajouter un premier plan pour échapper en post-production à la gestion de déformations supplémentaires.
• Régler la balance des blancs de manière automatique sur l’appareil.

Photographie panoramique : la post-production incontournable

Même si 90 % du travail nécessaire à l’élaboration d’une photographie panoramique se fait au moment même de la prise de vue, il est crucial d’utiliser des appareils de dernière génération et d’opérer des retours numériques sur l’image.

À ce titre, appliquer une mise au point manuelle lors de la capture est nécessaire afin d’apporter une cohérence d’ensemble à l’image originale et ainsi d’aider à l’assemblage en post-production. Régler son appareil avec une seule valeur d’ouverture et une capture en position verticale sont aussi des techniques qui s’avéreront d’une grande aide lors du passage au traitement par le logiciel.

Afin d’éviter les déformations additionnelles, une optique de qualité est un incontournable de l’équipement du photographe panoramique. En effet, le manque de netteté des images de base sera problématique au moment du collage des clichés sur le logiciel informatique.

L’essence même de la photographie panoramique nécessite d’avoir recours aux outils numériques pour deux raisons. Ils permettent de procéder à l’assemblage des différentes prises de vue et retouchent les imperfections de l’image. Les meilleurs instruments de post-production sont Photoshop ou Lightroom et leur maîtrise nécessite de suivre une formation professionnelle.

Ainsi, pratiquer la photographie panoramique ne s’improvise pas et il est conseillé de se former professionnellement afin d’obtenir des clichés de qualité. Une formation dans un établissement spécialisé, comme l’EFET Photographie, permettra de bien connaître les techniques de prises de vue, les équipements adaptés et les méthodes de retouche numérique pour pratiquer ce style de prises de vues.

Utiliser un bon logiciel de retouche est la garantie d’une photographie panoramique de qualité. Avec un bon outil, vous pourrez faire se chevaucher les images selon la règle du 1/3 de surface, rattraper les déformations, unifier les teintes et la lumière, etc.