Photographier un feu d’artifice n’est pas très compliqué. Mais réaliser une bonne photo de l’événement est plus complexe. Cela demande de la préparation, du matériel et un peu de technique.

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Les contraintes des feux d’artifice

Terriblement photogéniques par leur ampleur, leur symbolique et leurs contrastes de couleurs, les feux d’artifice rythment les fêtes estivales comme le passage à la nouvelle année. Si beaucoup préfèrent profiter du spectacle avec leurs yeux, les photographes envisagent évidemment l’évènement comme l’opportunité de faire quelques images spectaculaires et originales. Pour y parvenir, il est impératif de commencer par réaliser un bon repérage. Recherchez tout d’abord d’où sera tiré le feu d’artifice pour anticiper sur le cadre dont vous disposerez.

En ville, il faudra faire attention au dégagement et aux zones autorisées au public tandis qu’en bord de mer, on tiendra compte de la distance et des éléments qui pourront constituer un décor. Car si les bouquets de lumière seront évidemment les principaux sujets, la réussite de ces images tient à l’environnement qui donnera une notion d’échelle et une indication géographique. Songez que si les explosions de couleur se produiront haut dans le ciel, vous devrez également faire entrer des éléments du sol dans le cadre. Vous devrez donc décider s’il vaut mieux vous placer au plus près de l’action et vous équiper d’un objectif grand angle ou si un point de vue en hauteur un peu éloigné et un téléobjectif sont préférables.

Enfin, pensez que ces fêtes amènent souvent un public nombreux. Pour vous assurer d’être bien placé et que personne ne s’installe dans votre champ, il faut donc vous présenter bien à l’avance et faire quelques essais de cadrage avant que ne débute les premiers feux.

Exposition et mise au point manuelles

Les feux d’artifice se déroulant toujours de nuit, les conditions de lumière sont généralement assez similaire d’un événement à un autre : l’environnement est sombre et les feux intenses observent des mouvements dans le ciel. Pour retranscrire cette dynamique, vous devrez donc utiliser un long temps de pose d’environ 0,5s à 3s ou plus suivant l’ampleur du feu d’artifice et des traînées que vous désirez.

Si les appareils photo récents possèdent des systèmes de stabilisation à même de compenser vos tremblements sur de longs temps de pose, il est préférable d’utiliser un trépied, plus fiable, qui vous permettra en plus de conserver un cadre fixe d’une photo à l’autre. Vous pourrez ainsi, par exemple, réaliser des assemblages en post production pour combiner plusieurs bouquets sur une même photo.

Les conditions lumineuses étant relativement constantes, vous devrez utiliser le mode manuel de votre appareil pour fixer également l’ouverture du diaphragme et la sensibilité ISO. Choisissez une valeur de sensibilité basse, 100 ou 200 ISO pour conserver une bonne qualité d’image et ajustez l’ouverture pendant votre repérage en fonction de l’environnement. Si vous êtes en ville, il faut par exemple que vous conserviez une exposition correcte sur les bâtiments. Pensez que les feux d’artifice apporteront un peu de lumière à l’ensemble, vous ferez donc en sorte que l’environnement soit légèrement sous-exposé lors de votre repérage et adapterez ensuite précisément l’ouverture et le temps de pose sur les premiers feux. Le flash n’est évidemment d’aucune aide sur ce type de sujet. Pensez donc à le désactiver si votre appareil dispose d’un modèle intégré.

Enfin, pensez que l’autofocus peinera à trouver le point par ces faibles conditions de lumière. Basculez en mise au point manuelle depuis l’objectif ou l’appareil, faites une première image et zoomez fortement sur les éléments de décor pour vous assurer d’une bonne netteté. Faites ensuite vos photos sans toucher à ce réglage. Pensez aussi à photographier en Raw pour disposer d’une grande dynamique d’exposition et apporter quelques ajustements en postproduction.

La photographie est une discipline artistique qui requiert de nombreuses connaissances techniques. Pour accompagner ses élèves vers le métier de photographe, l’école EFET Photographie dispense de nombreux cours théoriques et pratiques apportant toutes les clés pour s’adapter à différents environnements.

Programme, manuel, semi-automatiques… les appareils photos proposent pratiquement tous ces modes d’exposition aux degrés de liberté variables. Comment fonctionnent-ils et quand s’en servir ?

Quand on débute en photographie, on préfère généralement s’en remettre au mode Automatique qui assure une juste exposition de l’image sans qu’il faille se plonger dans les réglages complexes de son appareil. Généralement efficace, cette configuration ne permet en revanche pas de choisir les valeurs des paramètres d’exposition et donc de décider si l’on souhaite une grande ouverture de diaphragme pour produire une faible profondeur de champ et détacher un sujet de son arrière-plan ou un temps de pose assez court pour que le sujet soit net. Pour agir avec précision, il faut s’en remettre aux modes PSAM.

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Programme

Le mode P pour Programme ressemble à s’y méprendre à un mode automatique puisque l’appareil choisit librement les paramètres qu’il va appliquer lors de l’exposition. La différence est ici qu’il est possible de les modifier en utilisant des molettes de votre boîtier. Vous pouvez alors « décaler » le programme pour ajuster le réglage d’ouverture ou de vitesse tout en conservant une exposition juste.

Pratique pour certains, Programme est néanmoins d’un intérêt relatif si l’on considère le fonctionnement des modes semi automatiques S et A.

Les modes semi-automatiques

Ce que toutes les marques appellent S pour Speed mais que Canon qualifie de Tv pour Time value correspond à ce que l’on nomme en français le mode « priorité à la vitesse ». En le sélectionnant, vous êtes libre de choisir la valeur du temps de pose que vous désirez et l’appareil calcule automatiquement l’ouverture de diaphragme nécessaire pour une bonne exposition. Le temps de pose sera toujours celui que vous avez réglé et l’ouverture s’adaptera sur chaque image si les conditions de lumière ont changé.

Le mode S/Tv est donc le mode le plus adapté si la vitesse prime sur l’esthétique des images. En photo de sport par exemple, ou si vous voulez retranscrire le mouvement de l’eau d’une cascade par du flou. Le mode A ou Av pour Aperture fonctionne sur le même principe mais en proposant ici de fixer la valeur d’ouverture du diaphragme et de laisser à l’appareil le choix du temps de pose. Il est donc adapté aux prises de vue où la profondeur de champ prime d’un point de vue esthétique. En portrait par exemple.

Pour éviter que ce mode n’entraîne des flous de bougé, tous les appareils proposent via leur menu de fixer un temps de pose maximum à ne pas dépasser en mode A.

Tout manuel

Si vous réglez votre appareil sur le mode manuel M, vous pourrez librement choisir la valeur d’ouverture du diaphragme et le temps de pose, sans tenir compte de la mesure de lumière du boîtier. Ce mode est donc plus adapté aux conditions complexes pour lesquelles la mesure de l’appareil pourrait se tromper, un fort contre-jour par exemple, ou pour lesquelles elle n’est d’aucune utilité, en studio quand on travaille au flash.

Le mode manuel garantit alors une exposition constante sur toutes les images. Ce mode est plus contraignant car si les conditions de lumière changent, en reportage et en extérieur, il faut sans cesse modifier l’ouverture et le temps de pose. Avec le risque de ne pas le faire assez rapidement et de rater son sujet ou de mal exposer.

Et la sensibilité ?

Vous aurez constaté qu’aucun de ces modes n’agit sur la sensibilité ISO, elle aussi responsable d’une exposition plus ou moins importante de l’image. Que vous choisissiez le mode P, A, S ou M, la sensibilité se règle à part. Vous pouvez soit la fixer sur une valeur donnée, faible pour une meilleure qualité d’image et élevée si vous manquez de lumière, soit utiliser le réglage de sensibilité automatique de votre appareil.

En mode ISO Auto, la valeur utilisée pour chaque image sera la plus faible possible et n’augmentera que si vos réglages d’ouverture ou de temps de pose ne permettent pas une bonne exposition.

L’EFET Photographie forme les élèves au métier de photographe en dispensant des cours d’analyse d’image, de composition et de techniques comprenant la maîtrise de son matériel.

Tous les objectifs du marché sont désignés par leur focale. Néanmoins, cette dernière ne suffit pas toujours à anticiper sur le champ réellement couvert à la prise de vue. Ce qui incite à employer le termes de « focale équivalente en 24×36 ». Explications.

Avec l’ouverture maximale du diaphragme, la distance focale est une des principales caractéristiques d’un objectif. Exprimée en millimètres, elle tire son nom d’une grandeur optique bien précise : la focale image est la distance qui sépare le centre optique d’une lentille de son foyer image, point de convergence des rayons lumineux issus d’un objet situé à l’infini.

Autrement dit, la focale d’un objectif désigne la distance entre son centre optique – appelé point nodal dans le cas de ces systèmes composés de plusieurs lentilles – et le capteur lorsque la mise au point est réalisée sur l’infini. Si la focale est courte, les rayons lumineux qui traversent l’objectif sont donc réfractés avec un angle d’incidence plus important que lorsque la focale est plus longue. La focale a par conséquent une relation directe avec l’angle de champ .

La notion d’angle

Si la focale désigne bien une caractéristique intrinsèque de l’objectif, l’angle de champ est une information plus utile en photographie. Car il est plus aisé de comprendre qu’un objectif de 100° d’angle couvre une scène plus large qu’un autre de 15° qui réalisera un plan serré. Or l’angle de champ couvert par l’objectif dépend de sa focale, mais aussi de la surface du film ou du capteur utilisé.

Considérez pour comprendre qu’utiliser un petit capteur revient au même qu’effectuer un recadrage dans l’image projetée par l’objectif. Un objectif de 50 mm couvre donc un angle de champ plus réduit si l’image est faite avec un capteur APS-C d’environ 16×24 mm qu’avec un capteur 24×36 mm. Réciproquement, le champ couvert est plus large si ce 50 mm est utilisé sur un appareil moyen format au capteur de 33×44 mm.

La référence 24×36

L’histoire ayant fait du format 24×36 une référence en argentique, on a pris pour habitude de considérer le 50 mm, couvrant alors 46° d’angle de champ, comme une focale « normale », les plus courtes focales comme des grands-angles et les plus longues des téléobjectifs. Lorsqu’un objectif est utilisé sur un autre format de capteur ou de film, on parle donc de sa « focale équivalente en 24×36 ». Cette valeur désigne la focale d’un objectif qui en 24×36 embrasserait le même angle de champ. Si le 50 mm, et plus précisément le 43 mm, est la focale standard en 24×36, c’est parce qu’il correspond à la taille de la diagonale du capteur.

Celle d’un APS-C est de 28 mm chez la plupart des marques et de 26,7 mm sur les capteurs Canon. Ces valeurs correspondent donc à celles des focales standard pour chaque format et embrassent le même angle de champ qu’un 43 mm en 24×36.

À chacun son coefficient

De cette notion vient alors celle de « coefficient de correction de focale ». C’est le facteur à appliquer pour connaître la focale équivalente d’un objectif utilisé avec un capteur donné. 43/28 = 1,5 correspond au facteur des APS-C les plus courants et 43/26,7 = 1,6 celui des modèles Canon. Ce facteur est de 2x pour les capteurs 4/3 et environ 0,8x pour le moyen format, plus grand que le 24×36.

Un objectif de 50 mm utilisé sur un appareil APS-C, Sony par exemple, embrasse donc un champ équivalent à celui d’un 75 mm qui serait utilisé sur un capteur 24×36. Un 100 mm, celui d’un 150 mm, etc. Ce n’est que parce qu’un objectif est utilisé sur un autre format de capteur que l’angle de champ diffère de celui qu’il couvrirait en 24×36 et que l’on parle alors de sa focale équivalente en 24×36 en plus de sa focale réelle.

Être photographe, demande une sensibilité à l’esthétique des images comme une parfaite maîtrise de son matériel. Ce que l’EFET photographie enseigne au travers de cours pratiques et théoriques dans chacun de ses cursus.

Outre son effet sur l’exposition, le temps de pose que certains nomment vitesse d’obturation  a une incidence capitale sur l’esthétique des photos. Voyons ensemble comment fonctionne ce réglage et quelle valeur choisir pour obtenir l’effet escompté.

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Les anglophones le nomment shutter speed, ce qui explique sans doute pourquoi au lieu de temps de pose, beaucoup parlent de vitesse d’obturation. Il s’agit pourtant bien d’une durée et plus précisément de celle pendant laquelle l’obturateur de l’appareil photo reste ouvert pour exposer le film ou le capteur.

Ainsi, le temps de pose s’inscrit, avec l’ouverture du diaphragme et la sensibilité ISO, comme l’un des trois paramètres permettant de faire varier la densité des photos. Ils sont ce que l’on nomme communément les paramètres du triangle d’exposition. S’ils fonctionnent comme des vases communicants, un diaphragme fermé pouvant, par exemple, être compensé par une sensibilité élevée ou un long temps de pose, tous ont également une incidence sur l’esthétique des images. Le réglage du temps de pose va jouer sur la netteté ou le flou du mouvement.

Évitez les flous de bougé

Si le sujet de la photo est immobile, on pourra utiliser un long temps de pose tout en conservant une bonne netteté de celui-ci. Mais attention alors à ce que ce ne soit pas le photographe qui bouge pendant l’exposition : il provoquerait un flou de bougé sur l’image. On avait pour habitude de dire qu’avec un objectif de 300 mm, il ne fallait pas poser plus longtemps qu’1/300s alors qu’avec un 50 mm, il était encore possible d’obtenir une photo nette à 1/50s.

Cette règle a perdu de son intérêt depuis que les objectifs et les appareils numériques sont équipés de systèmes de stabilisation qui compensent les légers tremblements du photographe. Il est donc maintenant possible d’utiliser des temps de pose qui dépassent la seconde à main levée sans flou de bougé ! Au-delà, l’appareil devra être maintenu par un trépied.

Le flou cinétique

Si le sujet que l’on photographie est en mouvement, la durée d’exposition devra être choisie en fonction de l’effet escompté. Pour que le sujet soit bien net, utilisez un temps de pose suffisamment court. La valeur exacte dépendra de ce que vous photographiez : une Formule 1 en pleine course pourra exiger un temps de pose d’1/4000s alors qu’un marcheur en balade sera net dès 1/250s. Pour retranscrire les mouvements du sujet en photographie, il peut être au contraire judicieux d’employer un long temps de pose.

Pensez par exemple à la traînée lumineuse des phares d’une voiture la nuit. L’effet est beaucoup plus spectaculaire que si un court temps de pose en avait figé la position. On nomme cet effet le flou cinétique ou le flou de mouvement. La valeur de temps de pose dépend là encore du sujet, de sa vitesse et de l’importance que vous voulez donner au mouvement. Les trop longs temps de pose pourraient tout simplement faire disparaître votre sujet !

Enfin, songez que vous pouvez également conserver une netteté suffisante sur votre sujet tout en donnant une impression de vitesse en utilisant la technique du filé. Elle consiste à appliquer un long temps de pose et à suivre les déplacements du sujet pendant l’exposition. Ce dernier conservant la même position sur le capteur, il sera donc net. Alors que les mouvements du photographe produiront un flou de l’arrière-plan. Là encore, la durée appropriée dépend du sujet et de votre capacité à le suivre pendant l’exposition.

Pour atteindre son but, il n’y a pas d’autres solutions que d’essayer et de recommencer.

À l’EFET Photographie, les étudiants apprennent toutes les techniques de prise de vue, du reportage au studio, qu’ils mettent en pratique lors de séances dédiées. L’école propose différents cursus, du Bachelor en trois ans aux cours du soir, sur son campus parisien.

Proposé à l’enregistrement dans les appareils photo et les smartphones, le Raw correspond au format de fichier brut des capteurs. Il contient un grand nombre d’informations qui facilitent la postproduction en photo.

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Plus que du format Raw, il faudrait parler des formats Raw. Car derrière ce terme générique sont regroupés de nombreux formats de fichier dont l’extension varie en fonction des marques. Ainsi, le format Raw des appareils Canon correspond à l’extension .cr2 ou .cr3 suivant les modèles. Celle de Nikon est le .nef, quand Sony exploite le .arw, Fujifilm le .raf, Panasonic le .rw2, OM System/Olympus le .orf, Pentax le .pef, etc. Le cas du .dng est un peu particulier puisqu’il s’agit d’un format Raw universel, le DNG pour Digital Negative, créé par l’éditeur américain Adobe pour faciliter les échanges et le traitement des images. Seulement quelques fabricants d’appareils photo comme Leica ou Pentax l’ont adopté dès la prise de vue, mais il est courant dans les smartphones.

Un format à interpréter

Pour bien comprendre ce que représente le format Raw, il convient de rappeler comment un capteur numérique enregistre les couleurs des images. N’étant capable de mesurer que des intensités lumineuses, chaque cellule photosensible du capteur se trouve surplombée d’un filtre coloré rouge, vert ou bleu. C’est après une opération nommée dématriçage que les informations complémentaires – rouge et verte pour la cellule coiffée d’un filtre bleu et réciproquement pour les autres -, sont calculées et permettent à chaque pixel de l’image d’être caractérisé par trois informations de couleur. Or le fichier Raw est créé avant cette opération de dématriçage. Pour chaque pixel, il ne contient donc qu’une information de couleur, ce qui en fait un format de fichier léger comparativement à un fichier dématricé comme le Tiff.

Une dynamique étendue

Parce qu’il contient toutes les informations reçues par le capteur au moment de la prise de vue et qu’il code chaque pixel sur 12 ou 14 bits suivant les appareils, le fichier Raw dispose d’une grande quantité de détails qui facilite le travail en postproduction. Son premier avantage réside dans sa grande dynamique qui permet en postproduction de retrouver des informations dans des zones surexposées et sous-exposées des images tout en conservant une bonne qualité globale. L’opération est intéressante si vous avez photographié une scène très contrastée ou si vous avez légèrement décalé votre exposition. Pour les mêmes raisons, le fichier Raw possède une grande marge de manœuvre en termes de saturations et de corrections couleurs. Ainsi, lorsqu’on photographie en raw, on peut également adapter son réglage de balance des blancs en postproduction sans perte de qualité.

Des logiciels dédiés

Le Raw n’a-t-il donc que des avantages ? Presque… Car pour interpréter un fichier Raw, il faut obligatoirement utiliser un logiciel dédié. Ce qui rajoute une étape chronophage au flux de travail. Tous les logiciels n’offrant pas la même qualité de traitement quel que soit le type de fichier Raw, il faut donc bien le choisir en fonction de son appareil. De plus, si le fichier Raw ne contient qu’une information couleur par pixel le rendant plus léger qu’un Tiff par exemple, son poids reste bien supérieur à celui d’une image compressée en Jpeg. Les fabricants ont beau développer des formats Raw compressés, la balance penche toujours du même côté. Cela explique pourquoi les photographes d’agence continuent de préférer le Jpeg pour envoyer rapidement des fichiers légers déjà interprétés à leurs rédactions.

L’EFET Photographie forme des étudiants au métier de photographe au travers de différents cursus, du Bachelor en trois ans aux cours du soir en passant par le Bachelor intensif en un an. Toutes les formations comprennent des cours théoriques et pratiques.