Cette exposition est née de la rencontre entre le photographe Michel Kirch et la peintre Dominique Paulin qui ont décidés de travailler sur leur sensibilités communes.
Ce qui est présenté ici est plus un travail sur la forme que sur le fond, la symbolique, le lyrisme. Les œuvres du photographes sont grandes, minimalistes, mélange qui pourrait être celui du cinéma expressioniste allemand et certains dessins de Saint Exupery. Elles nous guident, pleines d’onirisme, même si ce n’est pas une série mais plus une succession de tableaux.
Le photographe, qui définit son travail de surréaliste, »transfigure le réel » et présente des tableaux en noir et blanc, sur de très grand formats exposés sur Diassec ou caissons lumineux, et qui «  nous incite a méditer sur le mystère de la condition humaine ».Michel Kirch créé sa réalité et nous invite a se laisser emporter, et découvrir le paysage intérieur de l’artiste.
La peintre qui « peint sans lendemain » laisse sa pensée vagabonder et s’organiser comme bon lui semble, et propose un univers cohérent avec le travail du photographe, puisque l’on se laisse également aspirer dans le subconscient d’une artiste comme l’a fait le photographe.

On pense bien sûr à une mise en image de la nouvelle éponyme de Kafka, même si un cinéphile verrait  plutôt dans cette séquence un remake de « The Fly », réalisé en 1986 par David Cronenberg. Mais entre le cinéma de science fiction qui s’attarde sur l’effroyable transformation de l’homme en  mouche et la  littérature  qui s’intéresse aux changements de l’entourage d’un malheureux employé de bureau, la série de photographies d’Adrien Almeras ne déroule ni fil ni film, elle bouillonne comme le cauchemar  d’une mue non programmée dont le héros déstructuré en victime se recompose dans l’apparition informe et cependant reconnaissable d’un jeune homme. Grimaçant de stupéfaction, affolé de douleur, le visage répété comme des coups de marteau se perd entre ses voiles  et se noie et dans un brouillard moite, réminiscence  des eaux de la  pré-naissance. Précise-t-on qu’Adrien est son propre modèle et qu’il cumule les fonctions d’auteur et d’acteur, cela ne fait que renforcer l’énigme.

Un portrait de dos, quelle étrange façon de représenter l’Afrique ! L‘intimité, voilà ce qu’a voulu exprimer Françoise Huguier dans son livre intitulé «Secrètes» qui, avec deux autres de ses ouvrages, a  rejoint l’exposition présentée par la Galerie Polka autour du thème de l’Afrique. Dix-sept tirages d’époque sont montrés et parmis eux cette image  au cadrage si particulier, dont Françoise Huguier nous raconte l’histoire : «Il y avait cet homme sur sa pirogue au milieu de l’eau et en face sur la terre ferme un troupeau de chameaux. J’ai pris toute une série de photos et ensuite sur la planche contact j’ai vu celle-là , le troupeau avait disparu, il ne restait plus que ce chameau, rescapé, juste au dessus du piroguier baissant la tête.».
La photographe qui a signé la direction artistique de Photoquai 2011 est accompagnée pour cette évocation de l’Afrique de Philippe Guionie, Titouan Lamazou, Sebastião Salgado, Jürgen Schadeberg et Marc Riboud dont la série sur les «Dockers d’Accra» n’avait  jusqu’alors jamais été montrée.

Vernissage d’une exposition dont je ne connais ni l’artiste, Eliane de Latour, ni le lieu, la maison des métallos. Il s’agit d’un travail sur  les prostituées d’Abidjan. Les premières images, qui ne laissent pas deviner la suite, annoncent le style, des images dures mais remarquables de sincérité.
Le travail est composé de deux parties, introduites sur le mode classique du photojournalisme à travers une série de cinq portraits troublants racontant l’histoire tragique et commune d’une jeune femme nommé Nafisa. Voilà pour le prologue. Le premier acte  est appelé « Jour » : une salle éclairée, des portraits très rapprochés de femmes noires, marqués par la souffrance et cependant très belles. Le second acte, « Nuit », saisit le visiteur qui découvre dans une salle plongée dans l’obscurité, des portraits de ces femmes sur leur lieu de travail, le trottoir.Portraits soignés,parfaitement éclairés, la pièce abrite le cœur de l’exposition. La dernière salle, ferme de ce que l’artiste nomme elle-même « parcours » : un fragile repos et pour deux de ces «  go de nuits », la mort.

Mickaël Vis,  1ère année photo.

Un cadrage horizontal pour un paysage d’été traversé par une jeune femme seule, angoissée, bientôt accablée de fatigue. Nous voici dans une écriture de film déroulant une séquence dramatique, dont on sent que la levée du mystère ne changera rien à son intensité. Première série d’un projet développé sur plusieurs thèmes et en techniques diverses par Victor Delfim autour du Fado, « Migrante » porte en elle une part de la saudade, cette évocation musicale  dans laquelle, au Portugal et au Brésil, on inclut tout ce qui vient en travers de l’existence pour la frapper de ce qu’on nomme le mal de vivre, l’amour inaccompli, la jalousie, la nostalgie, le chagrin ou l’exil. C’est précisément du déracinement qu’il s’agit dans « Migrante », réalisé en  avril 2011 dans la campagne d’Annecy, en Haute-Savoie, quand l’auteur  se revoit jeune enfant franchir les frontières avec  sa mère et l’unique valise, viatique du parcours difficile vers un ailleurs, vers une vie nouvelle aux promesses incertaines, également accessible aux accents mélancoliques du Fado.

‘’Le corps desespéré du cheval s’agrippe, les jambes prises dans le bloc inachevé, lourd comme la poche des testicules. De là, le corps fuselé de la femme s’étire. Vers le futur ses bras se tendent. Elle voudrait sortir de son ventre de Bête et j’aillir dans l’espace. Ah ! être un ange ! La bête est lourde et triste comme un gland. Et de ses yeux nostalgiques coule, jet de sperme, la voie lactée. Là-bas, la bouche crie déchirée, déchirée par le spasme des déchus. Tandis que sous la peau les muscles se détendent déjà, retombent, vaincus.’’
Blaise Cendrars (1913)

Si je présente ici une série, il est en réalité question d’un travail beaucoup plus long, un sorte d’obsession du détail, plus ou moins bien exprimée…
Ce n’est qu’une espèce d’exercice de style, formidablement présenté par Blaise Cendrars, que nous retrouvons un peu partout dans l’histoire de l’Art ou de la Littérature.. Un questionnement sur le désir et la provenance réelle des nos passions. Comment prouver que c’est le muscle et la chair brute, non la peau, qui nous excitent, attisent notre curiosité, notre envie.

Cette série, montée autour d’un ami danseur, n’est ni une réponse ni un aboutissement. Ce n’est qu’une recherche.

Eblouissante rétrospective de la photographe américaine qui a décidé d’une orientation de son travail vers la vérité contenue, dissimulée ou flagrante de ses contemporains. La scénographie installée sur les deux niveaux du Jeu de paume suit cette carrière tout à fait à part, jalonnée de succès et de doutes, ponctuée d’interrogations et de révélations. Environ deux cents tirages exécutés par l’auteur conduisent le visiteur en une progression saisissante qui ne contourne rien ni n’épargne personne. L’ultime travail réalisé avant le suicide de Diane Arbus le 26 juillet 1971 est intitulé « sans titre ». Regard empathique sur les malades mentaux, dans leur environnement institutionnel, dans leur vie et dans leur jeu, « Sans titre » ouvre une brèche dans l’enceinte de la folie pour donner l’image fragile du bonheur qui au cœur de la vie et de l’œuvre de l’élève de Berenice Abbott et de Lisette Model. L’exposition se termine par une impressionnante salle de lecture offrant à qui le veut un espace de travail au sein d’une bibliographie complète.

À la suite des “Métamorphoses” exposées au Palais de Tokyo  et au musée du Louvre, douze allégories conçues par Gérard Rancinan et  Caroline Gaudriault s’exposent dans la nef de la majestueuse Chapelle Saint-Sauveur d’Issy-les-Moulineaux. Derrière la flamboyance des compositions et la beauté des modèles, « Hypothèses » livre un regard pessimiste sur notre période. L’ensemble appartient au vaste projet des « Modernes » dont le dernier volet, « Wonderful World » consacré au marché de l’art en stigmatise les travers avec humour et lucidité.
Venu du grand reportage, Gérard Rancinan a préféré un jour changer le document pour l’allégorie, en passant par les portraits des grands de ce monde. Ses travaux se distinguent de la production contemporaine par une prise en charge totale de l’image : les décors, les accessoires, les bulles et les cylindres, tout est aussi réel qui les modèles, mis en scène et photographié dans l’immense studio de Los Angeles. La retouche numérique n’intervient que pour éliminer un cheveu ou une trace de doigts.

Partez à la découverte des mystères du bleu avec Sophie Boss. Le pastel, couleur multiple qui passe par de nombreuses teintes différentes avant de se fixer rappelle l’humeur changeante des femmes de caractère. Le bleu est fou, le bleu est flou ! En usant de l’art du montrer sans dévoiler, Sophie nous explique qu’il faut avoir de la patience pour apprivoiser ces pigments, comme dans un jeu de séduction. La teinte ne se révèle qu’aux passionnés. Couleur hautement symbolique, le bleu est à la fois le bleu des rois, une couleur divine par excellence, mais aussi le bleu de la mélancolie. C’est toute cette richesse que l’on retrouve au fil de ces portraits qui rappellent l’art hollandais tout autant que la poésie anglaise. Ces muses rassemblent ici les nombreuses rêveries de la photographe ayant grandi à Lectoure et que le bleu a toujours fascinée.

Parmi les idées reçues qui alimentent les pages de magazines, le martyre vécu  par les petits rats de la danse classique a la vie dure. Jeune photographe, Camille Moineault a derrière elle seize années partagées entre la vie ordinaire et l’atelier de danse Karol Baudry de Louviers, dans le département de l’Eure. En y revenant aujourd’hui sans ses chaussons mais avec son appareil, elle retrouve chez ses « pitchounes » pliées aux rigueurs de la grâce, de l’équilibre et du rythme, la petite fille et l’adolescente qu’elle a été. C’est d’abord, résonnant des notes d’un piano qui commande, le gigantisme de la salle au parquet lisse, bordée de glaces, ceinturée de l’implacable barre de bois. L’émotion retrouvée, Camille met en œuvre son jeune métier de photographe, et en particulier cette aptitude à prendre le recul nécessaire à une approche sensible et juste, par laquelle les fillettes, si émouvantes, si mignonnes soient-elles n’occultent pas l’enjeu de l’atelier qui les conduit à la perfection d’un art. Dans leurs valeurs sobres, les photographies qui montrent la relation attentive des professeurs et des élèves redressent le préjugé d’un sport tortionnaire pour atteindre le dépassement de soi librement choisi par des enfants.